Le Soulier de satin – éclairage pédagogique

Dans le cadre de notre programmation en ligne inspirée des œuvres au programme du bac, nous lançons avec Le Soulier de satin une série de Théâtres à la table, certains déjà réalisés, d’autres créés cette saison, que nous mettons à disposition de tous et toutes dans notre nouvelle playlist Passe ton bac d’abord.

La version « à la table » du Soulier de satin nous invite à croire Paul Claudel quand il confie qu’aucune de ses pièces n’a été écrite avec une pensée aussi directe de la performance théâtrale. « La scène de ce drame est le monde » annonce la didascalie initiale, et d’entrée de jeu nous sommes dans le monde réel, la salle Richelieu filmée comme salle de répétition. La scène représente ici le monde entier, dans un esprit de théâtre de tréteau et de cabaret, avec des éléments de décors et de costumes empruntés à d’autres spectacles, comme si nous étions dans le grenier de l’imagination de l’auteur.

Car Paul Claudel nous invite à sa table de création dans Le Soulier de satin, contemporain d’À la Recherche du temps perdu, pour nous montrer les coulisses de cette vaste entreprise autobiographique dans laquelle il a alchimisé la grande passion qu’il vécut avec Rosalie Vetch afin de lui trouver un sens. C’est en ouvrant la pièce par la mise en scène de la lecture qu’il nous donne à déchiffrer, sous les costumes de Conquistadors du Siècle d’Or espagnol, sa vie d’amoureux, de diplomate, de poète, de croyant, et à entendre les désirs et les déchirements qui ont fait le tissu de sa vie. La lecture à la table captée en direct par Clément Gaubert rend joyeusement palpable ce que Claudel appelle le « théâtre à l’état naissant », un stade du travail de l’acteur à mi-chemin entre texte et incarnation, où tout a l’air « improvisé dans l’enthousiasme ».

Les tables deviennent alors espace d’affrontement, d’échange ou de révélation par le jeu des rencontres entre les personnages du conseil d’administration intérieur de Claudel. Grâce à la sonorisation des voix et aux effets de caméra, nous accédons à la dimension intime et cinématographique de l’œuvre, le vers redevient l’expression de la voix intérieure, un « appareil à penser » comme l’écrit Claudel, effort d’élucidation du monde et de soi en réponse à l’inspiration que provoque la rencontre avec l’Autre, qu’il soit adversaire, femme ou Dieu. Ici, ce sont différents comédiens de la Troupe qui se relaient pour incarner Doña Prouhèze, Suliane Brahim et Elsa Lepoivre, Don Camille, Clément Bresson, Stéphane Varupenne et Sébastien Pouderoux, Don Rodrigue, Christophe Montenez, Sébastien Pouderoux, Thierry Hancisse et Didier Sandre, à chaque période différente dans laquelle le dramaturge les a peints comme pour les soustraire au temps qui passe, nous permettant de les saisir dans leurs parallélismes, leurs ambivalences et leurs métamorphoses.

Et c’est de la juxtaposition des différentes intrigues que naît le sens, Claudel faisant d’un des traits caractéristiques de son style le principe même de composition de son drame. Le travail des quatre metteurs en scène, Éric Ruf, Gilles David, Thierry Hancisse et Christian Gonon maintient cette tension entre unité et discontinuité pour représenter, non sans humour, par un jeu d’échos et de reflets, l’itinéraire de conversion qui s’impose à l’orgueilleux Rodrigue. Les renoncements successifs à tous ses désirs de conquête le conduisent à un dépouillement final en forme de communion avec l’univers, « la mer et les étoiles », dont l’immanence se confond avec le théâtre, bouleversante image de Didier Sandre sortant de la salle Richelieu vide de public sous le regard de la Troupe à la fin de cette captation.